如果不明白什么是画，

那么别看你画了50年、60年的画，

即使你画八辈子也没用，

因为你不懂得画。

一个小孩子装哭不是演戏，

这个小孩子装哭装到80岁他还不是演员，

你别看他天天装哭。

因此，我们若不知道什么是画，

那么画了80年也白搭，因为你画的不是画。

假如你画了一辈子而不是在画画，

想一想多可悲呀。

然后，你如果知道什么是好画，

你就会把画画好了。

可现在大多数人不知道什么是好画，

而且我们现在定的

好画的标准与好画没有关系。

比如说，他参加了几次美展，

所以他画得好，

注意，

参加美展和好画之间有必然关系吗？

不一定，

因为参加画展的画是根据展览的需要画的，

评奖是评委们意见的反映，

有些展览的评委主任是赞助商，

不少评委是各类与绘画相关甚少的名人，

这种展览中的获奖作品就与好画基本无缘。

所以说你要参展获奖就找评委，

评委喜欢什么你给他画什么，

评委愿意要什么你给他什么。

每一个展览都有一个主题，

你根据这个主题来制作，

你就能达到参加这个展览的目的。

然后，你就可以在那个展览上展出，

你再跟评委打通关系，

你在那个展览上或许就可以获奖，

拿了奖，你回来就可以到处自吹自擂，

但那与画好画有什么必然关系？

也许，

这些做法会使你的画有一些子长进，

但长此以往，不了解绘画规律，

只了解参展获奖规律，

会有懊悔莫及的一天。

画好画，

我们最有力的一句话就是：

“历史是最公正的”。

什么是好画？

什么叫要经得住历史的检验？

首先要经得起绘画规律的检验。

很奇怪的事情是，

很多记者吹出来的画，

很多评委评出来的画，

让他们把这种画挂在家里，

他不愿意挂，

更不用说将这种画

挂到历史中去比较评判。

许多风行一时的作品与画法，

都在很短的时间像一阵风似的刮过去了，

而画家也在这种风头中

“蒙头不知老之将至”了，

对于画家来讲，

画张画是一世的事，

对于展览来讲，

一张画是一次的事情，

我们看着该如何办吧。

什么才是真正的好画？

什么样的画是真正的好画？以什么标准来判定？是依靠贴在画上的价格标签来估计，还是通过拍卖行里此起彼伏的竞价声来衡量，抑或是画家的名气和身份能够代表一幅画的价值？

显然，上述条件并不能完全与艺术价值画上等号，也就是说，不能成为论断好画的绝对标准。

不过，现实中，诸如此类的附加因素正在成为好画的标准，价格、身份正在演变为价值。

好画是能够经受历史考验的，能够真正留存在艺术史中的，而成就一幅好画并成为一名优秀的画家需要具备四个条件。

第一，要具有极其鲜明的风格。

如吴冠中先生，有的人可能觉得他有的画作画时间太快，不过，他的风格决定了他载入中国艺术史，至少是20世纪的中国艺术史。

他创造了一种点、线、面相结合的、自古以来从未有过的画风。

一位画家想在艺术史上留下自己的名字，一定要靠风格。

风格就是他本人，就是用自己的声音在绘画的舞台上说话，而不是学着别人的腔调，拿着别人的语言来阐释自己的理解。

因此，具有极其鲜明的风格是最核心的要素。

第二，必须具有一定的作画难度。

中国绘画与西方绘画，特别是与西方现代派艺术非常不同的地方就在于，我们极为注重技巧的难度。

远的不说，仅在20世纪，中国众多大师级画家，如徐悲鸿、齐白石、吴昌硕、李可染、傅抱石、潘天寿等人，每一位都有自己在作画方面独特的难度。

比如潘天寿，他的几笔看似简单，后人却很少有人能够做到。

他一笔画出石头轮廓的功力，令其他作画者望而却步，绝大多数人都知难而退，很难企及他的高度。

第三，能够留存下来的画作，必须既可抒发主观情怀，又不失基本的真实。

这里所说的真实，指的是对物体把握的基本的真实。

不管是变形也好、夸张也好，画的是鸡和兔子，不能离开鸡和兔子的基本面貌，不能说画完以后别人根本看不出来是什么。

同时，画家必须具备一定的塑造空间造型的能力。

第四，就是所有的艺术作品都必须具有特殊的情感，抒发特殊的情怀，表达的东西应该与以往已经成名的任何艺术家都不同。

比如说八大山人，他的画流露出欲哭无泪的感觉，渗透着凄凉的亡国之恨，与以往艺术家的情怀不同。

还有徐悲鸿的奔马，我们一看到就会想起抗日战争时期的义勇军形象，会感受到一种抗战的情怀，八年抗战成就了徐悲鸿的马，它承载了民族精神和爱国情怀。

我们看作品要看气韵是否生动，第一眼的感受是正气是邪气，是发自肺腑还是装腔作势，然后再看笔法功力，有没有用笔的古法古意。

现在很多人已经不像古人那么讲究了，不过，起码要看得出绘画者是否有感而发、是否有创造性、是否真诚。

艺术的本质就是真实，这个真实不是说要画得像照片一样就叫真实，而是说画中所表达的精神状态真实。

好的画作应该包含前瞻性的元素，甚至要超越当时人的审美欣赏水平。

上世纪90年代出现“黄宾虹”热，黄宾虹的画不那么大众化，与齐白石的雅俗共赏不同。

而他的作品之所以到了上世纪90年代才被发掘出价值，恰恰是因为他的作品具有前瞻性，超越了与他同时代人的审美欣赏水平。

当下中国艺术家的“近视”反映出普遍价值观在转型，不少人做梦都是实际的，能静观现实和坚持理想的人越来越少。

所以，当代很难产生真正的大师，其中人格、学养缺失是重要因素，过于实用的“近视”也是一个因素，这种现状很难使艺术精神升华到更高境界。

以往不管是“为人生而艺术”还是“为艺术而艺术”的追求里还有一种精神的纯洁的东西存在，艺术中的文人品格、崇高精神、见真性情及自由清新、充满情趣表达等诸方面气息也显得纯正。

而现在的人张嘴闭嘴都是“有什么用呀”，艺术有什么用？真正的艺术就是没什么用。

搞艺术看起来很轻松，其实不但倾情投入和坚定信念都含在其中，还要耐得住寂寞。

作为艺术家，应该对自己有一个清醒的认识，对艺术有一个坚守的态度，不过要做到确实很难。

艺术史是作出最后检验的唯一标准，艺术的语言、本质、水平高低是最主要的，艺术家真正要比拼的是水平的高低，过了100年后，谁会记得那些自我炒作的人，只有真真正正留下具有艺术价值作品的艺术家，才可能被历史记住。

为什么所有艺术家都非常重视艺术史，因为艺术史就是艺术语言不断创新的积累，进入艺术史的人应当是这个时代最突出的代表。

每个时代都有作品价格特别高的画家，但是，这类画家的作品最后也仍有可能被淹没在历史的洪流之中。

而那些作为时代节点的艺术家，比如凡·高，即便当时不被承认，后世也会发掘出他们的价值。

青年批评家群体可能都是精英，更关心艺术前沿的问题，我们聚在一起的时候，总是讨论小圈子里最前沿的创作，国内外最新出现的学术问题，可能在这一点上很少参与公众讨论。

对于好的艺术作品来说，它的艺术本体语言、发生的话语背景，与整个社会历史文化之间的复杂关系、个体生命性和情感性的体验等都具有新的挑战和开放性，是人类智性的活力所在。

至于资本的炒作、画家的背景、达官显贵的追捧等，其实都是很短暂和人为化的效应，难以持久。

当然艺术品生产的平台与生态关系，也是复杂而飞速变化的，这也是我关心的话题。

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